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Alfonso Albacete: "Un encargo es una prueba de examen para tu pintura"
Alfonso Albacete: "Un encargo es una prueba de examen para tu pintura" Alfonso Albacete: "Un encargo es una prueba de examen para tu pintura"

2018.10.30


Fundación MAXAM - Sala de Prensa - Entrevistas - Alfonso Albacete: "Un encargo es una prueba de examen para tu pintura"

Alfonso Albacete , autor de Vanitas (Calendario MAXAM 2019)se encuentra en ese punto medio en el que tiene una carrera que le avala y un tiempo futuro en el que contar, expresar y manifestar tanto como ha dicho hasta ahora a través de sus óleos, grabados, dibujos o instalaciones.

¿Por qué pintas?
Empecé muy pequeño, mi madre era pintora aficionada y el olor a aguarrás me es tan familiar como el olor de la cocina. Supongo que de una forma u otra incorporé este lenguaje en mi desarrollo de la misma manera que aprendes a hablar.

Cuando miras hacia atrás, ¿cómo ves tu trayectoria?
No suelo hacerlo, da vértigo. Cuando estás trabajando, ver todas esas imágenes que has acumulado te hace pensar que has agotado ciertas posibilidades. Sin embargo, eso no es cierto, la pintura es un proceso mental y va pegada a tu vida, y lo mismo que vas viviendo, vas pintando.

Ver obra mía de hace tiempo me permite situarme en la posición del espectador, lo que me produce sentimientos variados. Por un lado pienso que quizás no sería capaz de volver a hacer eso que estoy viendo, por otro me doy cuenta de las diferencias entre cómo pintaba entonces y cómo lo hago ahora.

¿Qué has imaginado o te gustaría hacer que todavía no has hecho?
Mi método de trabajo es comparable al de la gente del cine. Parto de una idea, unas imágenes sueltas, y sobre eso voy elaborando relaciones hasta que surge un discurso, lo que en el cine se llama guion, que es lo previo.

El proceso de pintar es posterior a esto y en él aparecen también nuevos elementos e interferencias. Entras en un mundo físico donde trabajas con líquidos que tienen su propia gravedad e historia que de alguna forma tienes que tomar y manejar. Por eso siempre he pensado, quizás por la época en que me relacioné con lo conceptual, que pintar tiene algo de performance, el resultado final es como si se hubiera acabado una acción.

¿Qué papel crees que cumple hoy el arte?
El mismo de siempre. Da igual ahora que antes, el arte es una expresión humana que aparece en una diferencia entre lo que el ser humano es capaz de pensar y lo que existe. Eso es lo que da lugar a la creación. Esta puede estar conectada con el ambiente social o político, porque siempre tienen un discurso de salida. Sin embargo, las hay que consiguen sobrevivir incluso en épocas en que el discurso al que nacieron vinculadas ha desaparecido. Algo así sucede con la pintura clásica y sus escenas mitológicas o religiosas, que vemos en los museos; la mayor parte de las veces desconocemos su discurso.

Muy poca gente conoce realmente la historia que representan. Sin embargo, sí puede volcar sobre ellas su pensamiento. Esto quiere decir que esa pieza, aparte de ser La Cena de Emaús o Diana y Acteón, tiene una serie de valores que le permiten encarnar un pensamiento de hoy al margen del mito que representan.

En este escenario que describes, ¿qué rol desempeñan los artistas?
Eso es algo a contestar quizás desde un punto de vista sociológico. Ha habido un cambio de papeles bastante fuerte, hasta finales de los 70 o principios de los 80 el artista era prácticamente el único modelo de su discurso, lo elaboraba él mismo. Luego comenzaron a intervenir más factores, aparecieron las figuras de los comisarios y de los teóricos, que en la actualidad tienen un papel protagonista en su desarrollo.

Y desde tu punto de vista, ¿cuál debiera ser el papel de la pintura y de los artistas?
En el momento en que se produce la pintura, esta tiene un discurso muy directo, pero tiene que ser lo suficientemente abierto para que funcione como un contenedor de pensamiento que salte la barrera de su época y entre en un discurso más universal y general, más perteneciente al hecho del ser humano en sí que a una situación concreta. Por su parte, lo que les corresponde a los artistas es acomodarse al tiempo en el que viven.

¿Cómo recibiste el encargo de elaborar la imagen para el Calendario MAXAM de 2019?
No suelo aceptar encargos, pero me atrajo el reto. Si haces una obra por encargo donde hay unos presupuestos previos y consigues salir airoso sin tener que forzar tu lenguaje, es una prueba de examen para tu pintura.

Por otro lado y desde un punto de vista más teórico, me resultaba curioso. La Colección MAXAM es un conjunto sociológicamente muy interesante. Cuando yo era niño, en los años 60, los calendarios de la Unión Española de Explosivos eran en el medio rural —yo no viví en una ciudad hasta los 17 años— quizás la única imagen que se veía. En mi caso tengo unida la música de Juanito Valderrama y de Antonio Molina a esas imágenes costumbristas —cazadores y recolectores—adoradas en aquellas coordenadas.

¿Qué cuentas en Vanitas?
Hay un tema de estructura básica que he trabajado mucho, y sigo haciéndolo, que es la historia del cuadro dentro del cuadro, contar una imagen con la propia imagen. También quería hacerle un homenaje a aquellos almanaques que se veían en el medio rural. Por eso he utilizado una serie de elementos sencillos sin una simbología complicada, pero al tiempo lo suficientemente abierta para permitir lecturas desde otros puntos de vista.

Las bases del cuadro son, por un lado, un calendario con un personaje cazador-recolector y, por otro, un paisaje tan especial como el de las industrias donde se fabrican este tipo de productos con sus arquitecturas muy separadas. Ambas aparecen integradas en un formato de naturaleza muerta en el que se mezclan productos explosivos con temas de pintura en esa relación vida-muerte que tienen los vanitas, de ahí que este sea el título del cuadro.

¿Cómo es el proceso que sigues desde la primera idea hasta que das por concluida la pieza en la que estás trabajando?
Siempre juego con varios elementos en una especie de puzle. Hay imágenes que surgen de manera muy rápida, las voy recopilando y conviven conmigo un tiempo —tal y como se puede ver en las paredes de mi estudio— y les voy asociando contenido. Las uno entre sí hasta que te vas dando cuenta de que surge un discurso entre ellas y trabajas sobre él para ver cómo lo pones en escena. Cuando tienes ese trabajo organizado, entras en un proceso de pintura y lo que te importa es el cuadro.

¿Qué impresiones te genera volver a una obra tuya tiempo después de que haya salido de tu estudio?
Los cuadros tienen algo curioso, a veces son como esas personas a las que hace mucho que no ves y retomas la conversación como si la hubieras dejado ayer. Te puedo decir en un cuadro mío de hace 30 o 40 años exactamente dónde lo dejé, los motivos de cada cosa, es como si siguiera conviviendo conmigo.

Eso te produce alegría, también cierto desequilibrio por la reaparición de ciertos fantasmas del pasado, y melancolía; sobre todo los cuadros que pinté de muy joven, porque reconoces la energía que tenías en aquella época. Ahora tendré más sabiduría, pero energía tengo bastante menos.

Hay obras que cuando las miro ahora pienso que tendría que haberles dedicado más tiempo y con algunas actuales me digo que tendría que tener la fuerza que generaba a los 20 años para contar una historia por las buenas y ni siquiera volver la vista atrás.

¿Qué te sugiere el hecho de que el fin último de Vanitas sea ilustrar un calendario que será distribuido por todo el mundo?
Lo tienes en cuenta a la hora de elaborar toda la parte de representación y dibujo, ya que esta obra no se va a ver en una galería o un museo, los ambientes propios del arte, sino que está destinada para ser observada en lugares públicos, en entornos domésticos. Eso hace que trates la iconografía y la técnica de una manera especial, ya que sabes que la reproducción no podrá captar todos los matices de las texturas y materias que la temática te podría sugerir.




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Última actualización 2018.12.17
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